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1,李斯特4首梅菲斯托圆舞曲
梅菲斯托圆舞曲通常是指李斯特四首标题相同的钢琴曲中的第一首，作于1860年，取材于他最喜欢的一部文学作品——歌德的《浮士德》(这部作品曾经给他这部作品以及他其它作品很多灵感)，但是这首音乐基于尼古拉·策瑙富有诗意的一个场景。副标题为《乡村酒馆中的舞曲》，这个故事详细地写在李斯特的乐谱上，简要如下：浮士德和梅菲斯特进入了一家乡村酒馆，当时那里正在进行婚礼。浮士德被有一双黑眼睛的美人迷住，梅菲斯特抓过一把小提琴演奏。舞者沉醉在这魔鬼般的音乐中，这婚礼集会成了狂饮闹宴，疯狂的舞者跌倒在草地上，作曲家以双音的颤音表现了梅菲斯特回荡在空中那不断的笑声。最后，夜莺的歌声唱起，强烈的欲望将他们击垮，他们被淹没在像大海一样的汹涌翻腾的感情之中。李斯特最初是为交响乐队创作的这部作品，后从纸涓奈智俣雷嗪透智俣刈唷！睹贩扑固卦参枨肥且桓龊茏忱龅谋硌葑髌罚凰葑嗾咛岢隽四Ч戆愕募际跆粽剑负趺挥心牟孔髌废袼谎诙潭碳阜种幽谡故玖巳绱朔岣缓土钊艘垩Ｄ砍錾难葑嗉际酢Ｖ劣?首的确没有什么介绍.
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2,李斯特超技练习曲
李斯特的超技练习曲是钢琴史上令人生畏的高难曲目。从技巧上看，李斯特的这12首作品难度过分艰深，仿佛是钢琴演奏艺术的象牙塔尖，即使在20世纪钢琴大师如过江之鲫的年代，也很少有演奏家敢于挑战。李斯特的钢琴音乐历来被认为"煽情、优美但空洞"，也许在他的不很著名的12首超级练习曲(etudes d'execution transcendante)中有很好的体现。和匈牙利狂想曲一样，超级练习曲也是他"最好听"的音乐，也是最炫技的钢琴音乐。和肖邦的练习曲不一样，李斯特的练习曲一直比较激烈，仿佛有无限的激情需要消耗，当然并不排除旋律的优美。另一方面，这12首也是一个整体，不适合单独地去欣赏理解，正和肖邦的著名的练习曲一样.第一首：Prelude.presto 前奏曲 此曲非常的短，一分钟左右，引子主题。第二首：Molto vivace 甚快板.这是比较平缓、沉闷的一首，两分多钟，显然已经有切入正题的迹象。第三首：Paysage.Poco adagio 风景旋律比较优美的一首。虽标为风景，可节奏还是比较压抑。象策马慢行于田园乡下。结尾处略有小高潮。音乐充满了作者无数的"扪心自问"的感觉。第四首：Mazeppa.Presto 马捷帕开始有标准的李斯特风格，演奏者也必须开始炫技，因为难度加大。有大量的装饰音。一共有七分多钟中段旋律有些高雅的伤感，平静而又忧伤。最后复转入激烈。第五首：Feux follets.Allegretto 鬼火果然非常诡异神秘的一曲！单一主题，用长调。有大量重复的音。比较短，只有4分多钟。曲子蕴涵嘲讽和一种不知名的鄙视 第六首：Vision.Lento 幻影比较单调，节奏激荡但不快。这一曲是为整个练习曲进入高潮的铺垫。中段音乐比较灵活，如果看现场，可以看到演奏者翻飞的手指，像幽灵在跳舞。后段越来越快，音调也越来越高。最后在最高处嘎然而止。第七首：Eroica,Allegro 英雄这是悲剧的英雄，但依然让人无限崇拜。近5分钟长。琴声如歌如泣。低沉的音乐永远也掩盖不了英雄眼神中的希望和怒火。最后给人以光明，音域一下子开阔。这一曲旋律非常优美。第八首：Wilde jagd.Presto furioso 狩猎高潮之一。演奏难度非常大的一首。一直非常快，非常激烈。但快速却依然优美，让人如醉如痴。音乐中似乎不光有狩猎，还有风景如画的描写。真正的让人身心放松。这也是旋律非常优美的一曲。
第九首：Ricordanza.Andamtino 回忆两首最有名的超级练习曲之一。柔情绵绵，平静得近乎沉默的回忆。有11分钟之长。有一段极浪漫的旋律被人称为"古典音乐中最美的一小节"。这是对过去美好的留恋和回忆，丝毫不带任何不愉快的幻想。第十首：Allegro agitato molto 激动的快板非常精彩的一首，我个人比较偏爱的一首。基辛也最喜欢这首。钢琴的音色之美在这里得到了最大的体现。这是夹在两首最高潮音乐之间的一首，因此在主题上可以说是什么都有，有一种无言的上进心支配着作曲者.第十一首：Harmonies du soir.Andantino 黄昏的和谐最有名的李斯特的超级练习曲！一开始比较慢，象要诉说一件事。然后却突然沉默不语，只是用最激烈最高级的音乐来倾诉。这是整个超级练习曲的最高潮，是听觉上的最高享受。一层层的推进，又一层层的返回，不同的感受接踵而来，让人不忍离开这一段音乐。然而最后还是结束了，非常平静地结束了，但有一种意犹未尽的余温在那里，而那个音节也非常特殊，简单却温柔。让人更是无法舍弃。这首练习曲是李斯特音乐的极致，让一切语言成为多余，但它解决了一切问题，剩下的只有无比的美妙。第十二首：Chasse-neige.Andante con moto 除雪结尾音乐。名字非常优美，那是一种令人神往的境界，一点也没有寒冷的感觉，惟有追逐下雪的快乐和空洞无边的激情！当然超技练习曲有3个版本,
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3.拉赫玛尼诺夫2首组曲(双钢琴版)
谢尔盖·拉赫玛尼诺夫是十九世纪末、二十世纪初俄罗斯音乐文化中的重要人物，世界著名的作曲家和杰出的钢琴家。他的创作与演活动，都在世界音乐界产生了大的影响，而其中更为突出的成就，则体现在他的作曲方面。拉赫玛尼诺夫于1873年4月1日出生在俄国奥尼加城的一个富庶的地主家里，他的家庭有着很好的音乐环境，这使他从小受到了良好的音乐熏陶。他四岁开始习钢琴，九岁就进入了彼德堡音乐学院。1885年他又经人介绍来到莫斯科，跟随著名的钢琴演奏大师兹维列夫学习钢琴。1889年，他考入了莫斯科音乐学院，从此开始接受更为严格、正规、系统的教育和训练。他跟著名钢琴家齐洛蒂学习钢琴，还跟随著名作曲家塔涅耶夫和阿连斯基学习作曲。1891年和1892年，他先后以优异的成绩在钢琴和作曲班毕业，从此开始了他独立的音生涯。拉赫玛尼诺夫早期是以钢琴演奏家的身份活跃于国际乐坛的。他的钢琴演奏造诣很深，在演奏中，他兼收前辈诸钢琴大家之长，创建了自己所独特的演奏风格，成为当时世界上屈指可数的杰出钢琴演奏家。
拉赫玛尼诺夫很早就开始了在作曲方面的尝试，1892年他在莫斯科音乐学院毕业时就已创作了毕业作品--独幕歌剧《阿列科》。后来，为举办音乐会的需要，他创作了许多钢琴曲，同时还作了交响幻想曲《悬崖》、《茨岗主题狂想曲》等大型乐队作品。1895年，拉赫玛尼诺夫创作了他的《第一交响曲》。这部作，1897年在彼得堡由格拉祖诺夫指挥首演，但遭到了失败。为此拉赫玛尼诺夫陷入异常的苦恼之中，他的创作也开始减少了。1897年，拉赫玛尼诺夫被聘为莫斯科马蒙托夫私立歌剧院的助理指，从此开始了他的指挥家生涯，1899年，他第一次赴欧旅行演奏，受到了欧洲各国人民的热烈欢迎。由于心境的好转，他从1900年起又恢复了音乐创作活动，先后创作了《c小调第二钢琴协奏曲》、《钢琴前曲》和《春天大合唱》等，其中《c小调第二钢琴协奏曲》以它那特有的抒情和诗意，赢得了人们的普遍赞扬，至现在，已成为拉赫玛尼诺夫最成功的代表作品之一。拉赫玛尼诺夫这个时期的作品，带有浓郁的俄罗斯民族风格，基调都是真挚的抒情主义，受柴科夫斯基的影响很深。1917年俄革命开始后，拉赫玛尼诺夫流亡到瑞士，后来又到美国，担任了波士顿交响乐团的指挥。他在国外写的最重要的作品是《e小调第二交响曲》。这部作品以其深刻的思想性、感人的抒情性和突出的俄罗斯民族音乐风格，赢得了广泛的世界声誉，成为拉赫玛尼诺夫创作生涯中的里程碑。拉赫玛尼诺夫的创作富有民族性。作品旋律流畅优美，感情真挚动人有些作品，带有一些忧郁情绪。他的后期作品带有晚期浪漫主义的特点，手法比较繁复，阴暗的色彩也较多地出现在音乐中，这与他长期旅居国外、远离祖国有着很大的关系。拉赫玛尼诺夫一生创作的作品很多，中包括三部交响曲，四部钢琴协奏曲，三部歌剧以及交响诗《死岛》、《悬崖》、《波西米亚随想曲》和大量的钢琴前奏曲、变奏曲、练习曲等。除此之外，他还作有大量的室内乐和艺术歌曲等作品。1943年3月28日，拉赫玛尼诺夫在美国加利福尼亚逝世，终年七十二岁。两个组曲也是拉赫作品中很艰深的作品.
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4,普罗科菲耶夫钢琴协奏曲(1,2,3)(双钢琴版)
当初谁也没想到，大逆不道的普罗科菲耶夫如今能被誉为俄罗斯音乐传统的忠实继承者。谢尔盖·普罗科菲耶夫（Sergey Prokofiev）于1891年4月23日出生在俄国叶卡杰琳娜省的桑磋夫卡。父亲是庄园管理人，性情孤僻，沉默寡言，对儿女十分温和。母亲喜欢弹钢琴，尤其喜欢贝多芬、肖邦的作品。普罗科菲耶夫小时候天天听母亲弹琴，母亲一离开，他就自己坐在琴前开始即兴发挥。7岁时，母亲正式教他学习音乐。当年，他写了一首四手联弹的进行曲，长大后，他很自豪地将这首乐曲称作自己的处女作。8岁对，父亲带他看过几部歌剧和舞剧，令他眼界大开。几个月后，他居然捧出了一厚叠乐谱：他的第一部歌剧《巨人》就这样问世了。经著名作曲家格里埃尔指导，普罗科菲耶夫于1904年进入彼德堡音乐学院就读。在校时，他因知识广泛、学业突出，被同学们戏称为“教授”。普罗科菲耶夫热衷追求现代作曲技术，常与真正的教授们发生冲突，连他的导师、著名作曲家里亚多夫都气得忍不住说：“你在音乐学院呆不了几天！”但这位性情古板的老师仍然很赏识他的才能，给他的分数并不低。这个调皮学生也非常尊敬他的各位老师，在老师里姆斯基—科萨科夫的作品音乐会上，他拚命鼓掌，手都拍疼了。1911年，普罗科菲耶夫的《第一钢琴协奏曲》公演后，毁誉不一。反对者说，这种粗暴狂乱的声音，根本不算音乐，听了便会发疯，视之为「极左派份子」
。拥护者说，这音乐热情奔放，风格新颖，作者真是天才。还有人说这部作品令人想到足球比赛。真是匪夷所思。普罗科菲耶夫本人倒是不为所动，他在一封信中写道：“协奏曲演出成功，我感到很满意。”1914年，普罗科菲耶夫在毕业考试的钢琴音乐会上，又演奏了这部作品，结果名列第一，并获得了鲁宾斯坦奖——一台名贵钢琴。毕业后，普罗科菲耶夫出国旅行，结识了俄国同乡、著名作曲家斯特拉文斯基和艺术活动家贾吉列夫。贾吉列夫以约写作品的方式，向他提供了很多帮助。回国后，普罗科菲耶夫作品中的现代特点愈加突出。1916年，他的《斯基福组曲》上演时，听众为它的大胆新奇大吃一惊，老师格拉祖诺夫未待曲终便离席而去。有一名演奏员对同伴说：“我想我应该买点儿什么药来吃，否则，听了这样疯狂的音乐会生病的。”有人甚至根本没听音乐就撰文大肆抨击作者，说作品“非常糟，简直糟透了”。
1917年，普罗科菲耶夫完成了自己的传世佳作《第一（古典）交响曲》，它有着海顿式的外壳，含着20世纪音乐的内核，如今已成为本世纪音乐中的经典。十月革命以后，通过著名作家高尔基的帮助，普罗科菲耶夫来到美国纽约。
俄国大革命爆发后，普罗科菲耶夫在兵马倥偬间绕经日本，迳奔美国，随身带著已完成的几首大作--此次的大革命或许让他如丧家之犬般奔走他国，但是1917年也是他的创作丰收年。在这一年中，他创制多首钢琴奏鸣曲、『刹那间的幻影』、D大调小提琴协奏曲，以及『古典交响曲』，这些都是他受欢迎的一部份作品。『古典交响曲』尤其精妙。「在我看来，倘使海顿仍然健在，他必定会保留自己部份风格，而从更新的音乐中撷选某些优点。我心中理想的交响曲，正是这种风格。」『古典交响曲』同时也是普罗科菲耶夫首度脱离钢琴的作品。「我亟欲证明自钢琴剥离的旋律素材，甚至可以表现得更出色。」
企图在美国发展的普罗科菲耶夫经常为人所讨论。在人们论及他时总是带点景仰的意味，不过并非全然欣赏。普罗科菲耶夫在美国主要以演奏钢琴为生。他的演奏刚健有力、充满热情，大受美国听众欢迎。连所住旅馆电梯间的黑人服务员也不无恭敬地摸摸他的双臂，连声称赞他肌肉真棒。普罗科菲耶夫当时想：“大概他把我当成拳击运动员了。”他犀利、清脆、敲打般的演奏法颇具新意，音乐也能独备一格。有人说他是「布尔什维克党钢琴家」，或是「金钢打造的手指，钢铁般的臂力--曲调宛若钢铁」--对那些早已习惯于李斯特与雷协替斯基式浪漫、委婉表现法的人士来说，普罗科菲耶夫的演奏无异为穿肠毒药；他的手指所到之处，莫不是新时代铿锵、叮当与机械化的声音，丝毫不见到浪漫的风情。美国并不欣赏他，相对的，他也不喜欢美国。1921年，他的歌剧『三颗橘子之恋』在芝加哥歌剧院上演时惨遭失败后，双方关系更形恶化。他在悲愤之馀黯然抵达巴黎，并以此地作为他的活动总部。狄雅基列夫开始对这位俄国青年产生兴趣，委托他创作两首芭蕾舞曲--『纲阶』(1925)和『浪子』(1929)。普罗科菲耶夫另外致力于歌剧『怒火天使』，并完成第三钢琴协奏曲，频繁的举行演奏会，成为当代最为人广泛讨论的一位作曲家。从几方面来看，他确实有为人訾议的地方。虽然其音乐经人演奏的次数不如他心中的理想，但他确实在1920年代造成一股强烈的风潮，令许多人不悦。那些人士的不满其来有自，他们的本能并没有错。因为普罗科菲耶夫的确是「钢筋水泥时代」的作曲家，他的音乐也反映当时新兴的反浪漫主义。在这个荀白克的先进理论无人能懂，也罕有人问津的时代；在这个史特拉汶斯基继『彼得罗希卡』和『春之祭』庞大声势后「蛰伏」进入新古典主义的时代，许多人心目中的普罗科菲耶夫，正是紧接著第一次世界大战和俄国大革命之后熙攘纷纭的新时代典范。人们或许藐视、憎恶、嘲弄他的音乐，但是此种音乐确实有它存在的道理，不是等闲可以一笔抹煞的.于今观之，普罗科菲耶夫的创作大抵仍然不脱传统架构。他大部份引用十九世纪形式；尽管他音乐中的不和谐音如层层叠瀑，但是大体而言调性仍在。作曲家的人格在此种音乐中表现得淋漓尽致：许多特点都让它在众多乐曲中显得鹤立鸡群。这些特点包括聪灵、磅礴、自信和矍烁的精神--普罗科菲耶夫并不是一位精粹的作曲家，但在表现最优异的时候，其轻盈澄澈点描式音乐，却相当能引人入胜。只要他有心，创作优美的旋律并非难事，不过他志不在此，宁愿一马当先，攻击浪漫乐派音乐。即使普罗科菲耶夫音乐的革命性意义不及许多人所想，但是它却仍然显得力透万钧、阳刚英武。普罗科菲耶夫寿虽不永，却留下了不朽的乐曲。1930年及40年代，萧士塔高维契完全掩旗息鼓时，只见普罗科菲耶夫一枝独秀，成为独霸苏俄乐坛的主力。他的和声理念和旋律特质均反映在苏联当时每一位重要作曲家的音乐里--萧士塔高维契、卡巴赖夫斯基、哈察都量、赫伦尼可夫--他们都创作经过冲淡稀释的普罗科菲耶夫乐曲，连普罗科菲耶夫本人亦不例外。他们也都担任国家及宣传的代言人--唯独普罗科菲耶夫不肯附和流俗，因为他自恃在国际间已有相当大的声望，因而除撰曲外，对其他外务一概回绝(彼时普罗科菲耶夫已于1932年回国定居，此事遭到包括史特拉汶斯基与拉赫曼尼诺夫等旅美俄罗斯作曲家的攻讦，认为他是向拜金主义俯首称臣。我们可以想像，后来的普罗科菲耶夫天真的想法因为史达林而完全破灭了。)他确实专心致意于创作一事，不暇及他。他为电影创作背景音乐，其中以『基杰中尉』(1934)和『亚历山大．尼夫斯基』(1939)最受激赏。他亦完成了第二号小提琴协奏曲(1935)、『彼得与狼』(1936)，以及芭蕾音乐『罗密欧与茱丽叶』(1935)，这些都让他享誉国际。他的歌剧『塞米昂．柯特可』后来无疾而终，另一出『修道院内的婚礼』(1931)改编自谢立登『保母』，只演出几场就匆匆下台了。
二次大战方酣之际，普罗科菲耶夫却屡见佳作--大型歌剧如『战争与和平』、第七号钢琴奏鸣曲、第二号弦乐四重奏、D大调横笛(小提琴) 奏鸣曲、芭蕾舞曲『仙履奇缘』和第五号交响曲。这些都是大师的手笔，较之他法国时期及美国时期作品，有著些微的不同--节奏、旋律及和声上的表现依然可辨，不过现代感收敛不少，也减少钢铁时代的风味。就其所表达的情绪而言，这是一种更婉美温和的音乐，与社会主义者的现实理想相去不远。然而，即使是令誉崇隆，受国际倚重的作曲家普罗科菲耶夫，亦不能免于被批评攻讦。随成功而来的是1948年的临头大难；他和此间的重要苏俄作曲家，都遭受到当局政权的围剿。无怪乎自从1948年中央委员会决议案发布以后，任何些微表现出个性的思想都要因此而销声匿迹了。倘使普罗科菲耶夫表现在『战争与和平』里的不成熟技巧都会以形式主义而见责的话，那么苏俄作曲家除了根据民谣音乐谱配管弦乐曲，并以此行世的话，又有何处可略施手脚呢？继之而起的是一个统一单调、绝无分歧的时期。苏俄的音乐也步上当地画坛的后尘，不再对世界具有任何意义了。甚至连全苏最优秀的作曲者--普罗科菲耶夫与萧士塔高维契都被形势迫得仅能推出苍白而不会引起訾议的艺术成品--无异于当时艺术家不得不颂画农产品的窘态。萧士塔高维契只得著手室内乐、交响曲和一些电影配乐。普罗科菲耶夫炒炒冷饭，在1948年推出芭蕾舞剧『石花』，1950年又如法炮制出第二号大提琴协奏曲(后又修改为供大提琴与管弦乐团演出的交响复协奏曲)。他在生命最后一年完成第七交响曲。巨匠在1953年3月5日殒谢于莫斯科，恰好与史达林死于同一天.
普罗科菲耶夫身后留下一批受欢迎程度历时不减的作品。他是二十世纪人才济济作曲家群中最常为人演出的一位。包括五首钢琴协奏曲中的两首、两首小提琴协奏曲、第五号交响曲、许多钢琴作品(尤其是第三号、第七号与第八号奏鸣曲)， 以及至少三首的重要芭蕾舞曲--『浪子』、『罗密欧与茱丽叶』、『仙履奇缘』--都是人们耳熟能详的必传之作。他在『亚历山大．尼可夫斯基』中，表现了最杰出的电影配乐。不过时日既久，或许普罗科菲耶夫的作品终究有大部份要为时间所淹没。他早期的作品总是把效果置诸音乐实质之上；到了后期作品，又被迫写些温和、不痛不痒的乐曲。他的钢琴奏鸣曲第七号、D大调小提琴奏鸣曲或 G小调小提琴协奏曲等作品，都令人有不耐久听之感。普罗科菲耶夫的情绪经常伸展不开，往往像他的『怒火天使』一样显露出故意制造听众心中震撼感的斧凿痕迹。一旦这些震撼价值去除，可供欣赏的优点就不多了。尽管如此，他最得意的作品仍然能让本世纪听众的心灵大受感动。
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5,梅西安节奏练习曲
奥利维埃·梅西安（1908～1992年），现代法国著名作曲家，管风琴家，教师。二十世纪作曲家中重要代表人物之一，他虽然不属于任何作曲流派，但他的作品和创作手法以及教学对同时代和年轻的一代作曲家产生了深刻的影响，对二十世纪音乐的发展作出了巨大贡献。
1908年12月10日，奥利维埃·梅西安出生于法国的阿维尼翁。他的父亲是从事文学教学和翻译的学者，曾把莎士比亚全集译成法文，母亲是一位诗人。在父母的鼓励下，很小即立志成为音乐家，七岁开始尝试作曲。 1919年，梅西安11岁时进入了巴黎音乐院。在校学习期间，他的老师主要有加隆、考萨德(对位与赋格)、杜卡(作曲)和迪普雷(即兴演奏与管风琴)。由于学习成绩优异，各科均曾获奖。1930年毕业后即担任圣三一大教堂首席管风琴师，在这个职位上连续工作了四十多年。1936年开始在巴黎音乐师范学院和圣乐学校任教，同时与勒絮尔、博德里埃和若利韦共同组建了“青年法兰西”小组，法西斯德国入侵后，小组停止了活动。1940年，梅西安被入侵的纳粹德军俘虏，在战俘营中创作了《时间结束四重奏》（1941年)，并为五千战俘演奏了此曲。1941年获释后，在巴黎音乐院担任和声教授。1944年出版了他的理论著作《我的音乐语言技术》，书中总结了他的音乐思想。 在1943年到1947年一段时间内，他举办了私人授课的讲习班。在这个讲习班上，梅西安首次在教学中以自己的方法讲授了对斯特拉文斯基的《春之祭》的分析，并从此时起，他不时到国外讲学。在法国国内，他的教学活动也达到了新的高峰，巴黎音乐院为他专设了音乐分析课程班。他的教学内容包括从古希腊的韵律到古印度的节奏直到鸟鸣。 1966年，在巴黎音乐院又担任了作曲教授，次年还被选为该院校委会委员。这一年，在鲁瓦艺术节上还创立了以他的名字命名的一项国际钢琴比赛-。1971年荣获伊拉斯莫斯奖。 梅西安在长期的作曲生涯中，经历了不同的创作期，每个时期都在音乐构思与手法上有新的变化，但在创作上，始终贯穿着两个重要特点。首先是，节奏在他的音乐语言中有主导地位，他自称是“作曲家与节奏学家”。他把古希腊的奇数节奏、古印度的各种节奏与德彪西的脱离调性和律动的节奏以及斯特拉文斯基的节奏结构，加以变化发展运用到他的作品中。他的方法是采用对称与非对称的节奏型态和特殊的节奏组合，例如，以分数的方法扩展或缩短时值，依次递增或递减时值，不可逆转的节奏等。在他的器乐作品中，小节线可能只是对指挥起引导作用。第二个特点是，对音色特别重视，他把音色与音高、节奏放在同等重要的地位。他对音色怀有全新概念：声音与颜色有密不可分的联系，某一声音或某些声音的组合会产生某种颜色、 在和声色彩方面也显示出梅西昂的独特个性，他不拘一格把调性、无调性、调式和系列手法结合在一起，形成了自己的和声体系。 1948年以前，梅西安的作品风格与体裁多种多样，有巴洛克风格的，有新浪漫主义手法的，还有仿德彪西风格的。这一时期的重要作品为绚丽的钢琴曲《圣婴的二十默想》和《图伦加利交响曲》，两首乐曲音响色彩丰富、华丽，非常动人。 此后，梅西安采用了新的创作手法，把调式音阶的每一音高与特定的时值和强度联系在一起，使每—音具有绝对的个性从而导致了后来整体序列手法的出现。这形成了他第二创作期的特点。 从1953年到1965年，梅西安把鸟鸣作为他创作的主要素材。他把各种鸟鸣声巧妙地溶入了他的音乐语言，创作了《鸟鸣集》、《异国鸟》、《百鸟苏醒》等。这一时期可以看作是他的第三创作期，在这一时期内，还有重要作品《时值——音色》与《七首日本俳句》。 1969年，梅西安创作了《我主基督之变形》大型合唱作品，从此进入他的第四创作期。音乐风格上开始趋向综合，较少高度思辨性的乐思而回归到结构清晰、纯朴易懂的音乐语言。这一时期的代表作还有管风琴作品《圣三一神秘沉思曲》。 梅西安对二十世纪后半叶音乐的发展产生的影响无疑是巨大的，他的学生中有些已成为当代一些乐派的代表人物，如布列兹、施托克豪森和克赛纳基斯等。 1992年4月27日（或28日），梅西安在法国巴黎逝世。
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Post By：2006-7-3 21:16:26 [只看该作者]
Post By：2006-7-4 13:12:42 [只看该作者]
月光钢琴教育家
